Reseña de “Justice League Dark”

Hace pocos meses, los aficionados a la colección de cómics de la editorial Vértigo “HellBlazer” nos llevamos un palo de esos de los que no te esperas y que duelen en el alma: Después de casi 25 años, y una vez se llegara al número 300 de la colección, las aventuras ese gran genio y grandísimo hijo de puta que es John Constantine llegarían a su fin.

Y os preguntaréis: ¿Esto a qué mierda se debe?

Muy sencillo. La editorial DC, a todos los efectos mandamás sobre todas las decisiones que toma la línea Vértigo (recordemos que esta última es sólo una subsidiaria del gigante estadounidense), con motivo del reinicio del universo de la editorial, decidió que sería una buena idea traerse al bueno de John a su terreno e incluirlo como parte activa del nuevo Universo DC, situando al personaje en un nuevo origen y en una continuidad diferente a todo aquello que venía haciéndose hasta ahora en su colección.

No voy a dar muchos rodeos porque no viene demasiado a cuento, pero el caso es que la inclusión del Mago de Liverpool entre sus planes editoriales tiene como primera consecuencia la colección “Justice League Dark”, o Liga de la Justicia Oscura, para todos aquellos que no se lleven bien con el inglés, que fue estrenada en los States el 31 de Mayo de 2011 y que hasta ahora consta de un número inicial (nº 0), 14 números de serie regular y un annual.

Portada del número 2. Y si, no pasa nada más. Zatanna y Constantine quemando brujas.

Os advierto que difícilmente voy a ser imparcial, pero intentaré que no se me note mucho la decepción que tengo encima después de dos lecturas a lo que hay publicado a día de hoy.

¿Y ESTO DE “JUSTICE LEAGUE DARK” DE QUÉ VA?

Esta pregunta tiene dos respuestas diferentes, la primera de ellas a nivel editorial.

Con el ya mencionado reseteo del Universo DC, los jefazos de DC Comics vieron su gran oportunidad para que los lectores aficionados a la temática oscura y sobrenatural que es sello de identidad de Vertigo empezarán también a dejarse dinero en la compañía madre, idea que, en principio (ya os contaré por qué no en final) no sólo no es mala sino que podría ser un valor añadido para su empresa.

La segunda de las respuestas va referida a la colección en sí. El reclamo de la Liga de la Justicia Oscura es el de formar un grupo de personajes, antihéroes por definición en su mayoría, que se encarguen de todos aquellos asuntos de los que los superhéroes de la Liga de la Justicia o no puedan o no quieran ocuparse. Y el grupo, en principio (otra vez), no tiene mala pinta. Viejos conocidos como John Constantine, Madame Xanadu, Shade o Zatanna comparten protagonismo con Mindwrap, un personaje creado por Peter Milligan para la serie Flashpoint y que decidió incluir cuando tomó las riendas de JLD.

Los chichos guays teniendo problemas con los abracadabras.

LOS PAPÁS DE LA CRIATURA

Como ya he dicho, Peter Milligan es el encargado de los guiones. El autor irlandés ya tiene un cieto caché dentro del mundillo comiquero, y se le conoce por haber lanzado la colección “Shade, The Changing Man” para Vértigo en los años 90 del siglo pasado como adaptación del personaje original de Steve Ditko, así como por haber sido guionista habitual en colecciones como X-Fator/X-Statix, Batman y la propia HellBlazer, precisamente en su última etapa, previa a la cancelación.

En el terreno artístico, y como dato curioso del que me acabo de enterar mientras redactaba la reseña, los dibujos caen en manos de Mikel Janín, dibujante Pamplonés que ya ha trabajado en un número de la JLA y en una miniserie de la colección Flashpoint, guionizada (oh, sorpresas) por el ya mencionado Peter Milligan. También es responsable de “El Año que Fuimos Campeones del Mundo, el cómic de España del Mundial de Fúbol 2010” para Panini Comics, pero eso ya si que no viene a cuento.

CRÍTICA DESTRUCTIVA CONSTRUCTIVA

Ya lo he dicho antes. La serie, conceptualmente hablando, no es mala idea. Pocas veces en Vertigo se ha tenido la oportunidad de llevar a cabo un tag-team de estas características, exceptuando quizás a la Brigada de la Gabardina, ya que pese a entrar dentro de la línea editorial de DC, en muy contadas ocasiones sus colecciones han entrado dentro de la continuidad del Universo DC (los escasos encuentros entre Zatanna y Constantine son una de esas excepciones).

Uno de los fallos más importantes, siempre bajo mi punto de vista, es el enfoque tan marcadamente superheróico con el que han orientado la colección. Es evidente que no se iban a conservar las señas de identidad principales de este tipo de colecciones, en los que las situaciones de decadencia en todo su amplio espectro, así como ambientaciones profundamente oscuras, abstractas y psicodélicas en muchos casos. Pero en ese intento por dirigir la colección hacia el gran público, han terminado por arrebatar a los personajes gran parte del encanto que los caracterizaba. Focalizando mis argumentos en Constantine, que al fin y al cabo es el que más conozco, ha pasado de ser un personaje cínico, con un sentido del humor muy difícil de digerir, pero entrañable al fin y al cabo, a un personaje plano, del que sólo quedan destellos en forma de frase pegadiza y en el que gran parte de la crudeza casi primitiva de su personalidad han quedado sustituidos por diálogos eternos en los que no para de lamentarse de lo a menudo que termina poniendo en peligro a la gente que le importa. Más dura aún es esta crítica siendo consciente de que Milligan es perro viejo en estos asuntos y que ha demostrado ser capaz de crear historias a la altura de las circunstancias en la época dorada de Vertigo.

¿Veis a lo que me refiero?

Por otro lado, poco o nada puedo criticar el dibujo de Mikel Janín. Es muy cierto que su estilo, más propio de colecciones como JLA en DC, no tiene mucho que reprochar, pero se echa de menos a un dibujante que se centrara menos en la espectacularidad de la viñeta e intentara transmitir más de la ambientación y de las emociones que en las que se ven envueltos los personajes. Un dibujo que fuera capaz de dar forma a la narración, y no de limitarse a representar lo que ocurre en la historia. Como he dicho antes, exigencias editoriales. Es lo que le pidieron hacer y es lo que hizo.

Quizá el punto fuerte de esta colección no es otro que el de introducir a nuevos lectores en este tipo de ambientaciones. Resulta comprensible que alguien que esté acostumbrado al género de superhéroes clásico tenga ciertas reticencias para animarse a seguir otro tipo de géneros, como pudiera ser el que representan colecciones como Sandman, HellBlazer o Los Libros de la Magia. Para estos lectores, Justice League Dark podría suponer el trampolín perfecto para dar oportunidad a las obras de arte que han salido de los guiones de gente como Alan Moore, Neil Gaiman o Frank Miller, e incluso terminar dando con obras de tipo superheróico que perfectamente podrían haber sido incluidas en el catálogo de Vertigo, como pudieran ser las sagas de Batman guionizadas por los propios Moore o Miller, y que son auténticas obras maestras del género.

Dicho esto, sólo me queda contradecirme un poco con todo lo dicho. Dadle la oportunidad a la serie. Esta reseña ha sido realizada por un muerto de hambre que ni mucho menos es crítico profesional y que solo se basa en su horriblemente condicionada opinión, y al que encima no le gustan ni Star Wars ni el Señor de los Anillos. Pero a Constantine que no me lo toquen.

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Reseña de “Patrulla X: Cisma”

Pese a que ya han pasado unos cuantos meses desde su publicación en nuestro país, no quisiera dejar de compartir las impresiones que una relectura me ha provocado respecto a esta trascendental historia, que supone un punto de inflexión ( o así nos lo  venden) de la raza mutante

¿Pero esto que es lo que es?

Patrulla X: Cisma es una historia narrada en 4 one shots a modo de “prologo” y una miniserie de 5 números.

¿De que va?

La historia comienza con Lobezno acompañando a Ciclope a hacer una petición ante la ONU para que todos los Estados que cuenten con tecnología Centinela la desarmen. Como no podía ser de otra manera, el evento será saboteado. En concreto por Quentin Quire, un personaje recuperado de la histórica etapa de Morrison y que viene a ser un adolescente con enormes poderes psíquicos, además de un capullo con delirios de grandeza. Las acciones de este chaval provocan una reacción global en contra de los homo superior con un despliegue de robots Centinelas en cada país.

Quentin Quire tocando las pelotas. Con esas pintas estaba claro que no tramaba nada bueno.

Seremos testigos de como, incluso habiendo sido reducidos a unos 200 y obligados a formar su propio país en el exilio , el miedo y odio que  profesan los humanos a los mutantes no ha llegado todavía a sus limites.  Acorralados por las circunstancias, los personajes tienen que tomar decisiones drásticas que provocaran cambios y conflictos para culminar en la división en dos posiciones  enfrentadas e irreconciliables; lo que vendrían a ser una “Civil War” mutante.

El dilema principal de la historia es que papel deben tomar los habitantes más jóvenes de Utopia en el conflicto ¿Deben poder luchar si así lo aceptan o si es necesario, o deben ser protegidos a toda costa? Ciclope y Lobezno serán los que, respetivamente, defienda cada posición  en un relato que no se decanta por ninguna opción y dejan que sea el lector quien valore los pros y contra de cada postura.

Por su parte, ambos personajes siguen una coherencia con lo que en los últimos tiempos nos han ido contando de ellos. Desde que los mutantes de todo fueran diezmados,  Ciclope ha sentido sobre sus hombros el peso del  destino de toda su especie y ha tenido que recurrir a medios y aptitudes que en su tiempo habrían sido rechazadas por un Scott más joven e idealista ¿Hasta que punto puede aguantar sin convertirse en una encarnación de esos mundos apocalípticos que tantas veces hemos visto, donde salvadores de los mutantes dicen hacer las cosas por el bien común mientras se sientan sobre una pila de cadáveres? Desde luego aquellos que sigan pensando en Ciclope como un pusilánime indeciso, siempre a la sombra del profesor Xavier deberían echar un vistazo a la evolución del personaje en los últimos años.

En la esquina contraria, Lobezno empieza a estar harto de tener que tragar con las draconianas decisiones del flaco y más aún cuando eso empieza a suponer usar niños como soldados en una guerra. Admito que soy uno de esos a los que la sobre explotación de Lobezno ha terminado por provocarme bastante rechazo al canadiense, pero puedo admitir cuando saben hacer que sus argumentos y acciones parezcan consecuentes y no una mera maniobra de marketing. El garras tiene que erigirse como el líder que nunca ha sido y lidiar con un papel para el que nadie le ve capacitado ; y es precisamente esto lo que utiliza el guionista para captar nuestra  atención. Y lo hace para bien.

¿Pero es que nadie piensa en los niños?

Siendo los jóvenes el epicentro de la historia, había que darles voz en esta trama. Aunque podemos ver a casi todo el plantel de estudiantes de la Patrulla dando su opinión, los guionistas han optado por encarnar el dilema en un personaje en particular. Esta tarea recae sobre Idie, una joven presentada en la última (y enésima) colección centrada en las juventudes mutantes: “Generation Hope”. Esta chica funcionará como catalizador del conflicto entre Logan y Scott a la par que es un personaje que recuerda a una Tormenta primeriza, (y no solo por el color de su piel) por ser alguien tremendamente alienada con el resto del mundo. ¿Su desconcierto y pesimismo es el futuro que le espera a las próximas generaciones portadoras del gen X?

Idie en acción

Curiosamente, el papel de antagonistas en las sombras también recae sobre unos niños. Y es que en estos números asistiremos a la presentación de una nueva encarnación del Club Fuego Infernal que resulta tanto un acierto como un golpe de frescura. No deja de ser irónico que mientras los X-men intentan salvar a unos críos, sean otros los que intenten hacerles la puñeta.

Esos locos bajitos…

La edición española

En nuestro país, la saga ha ocupado 4 grapas con el nombre de “Patrulla X: Cisma”: las 3 primeras dobles y la última siendo un número triple. Hay que advertir que solo los números 3 y 4 contienen la serie propiamente dicha, mientras que el 1 y el 2 recopilan los anteriormente mencionados “one shots” de “Preludio al Cisma”. Cada entrega de este prologo esta centrada en Ciclope, Lobezno, Xavier y Magneto, respectivamente, suponiendo n repaso a sus trayectorias vitales hasta el momento de la narración. No dejan de ser unos meros sacacuartos que aportan poco o nada a la historia y un buen ejemplo de material que Panini ha de encasquetarnos donde pueden porque si no, no se los compraría casi nadie. Mi consejo es que si estáis interesados, os ahorréis los dineros y compréis directamente los números 3 y 4 de la edición española

Los perpetradores

El apartado gráfico de la serie merece mención aparte, con un plantel de dibujantes de excepción compuesto por: Frank Cho, Alan Davis, Daniel Acuña, Adam Kubert y Carlos Pacheco. Todo un repaso al pasado y presente de los artistas relacionados con la Patrulla X que, pese a su diversidad de estilos, logran ofrecer un aspecto consistente a lo largo de la historia. Tengo que reconocer que, aunque nunca he sido muy fan de Davis, aquí se luce con algunas escenas de acción espectaculares.

Por su parte, la narrativa corre a cargo de Jason Aaron, que ya ha demostrado que sabe manejar a Lobezno en su serie homónima. Nos ofrece una trama con un buen ritmo y que, a diferencia de lo que viene siendo habitual en estos casos, no se alarga innecesariamente. Su mayor baza es saber plantear un dilema moral de aquellos que son la marca de los mutantes, a la par que sabe llevar de la mano de manera natural a Lobezno y Ciclope en estos tiempos en que sus roles de lideres les llevan a cambiar sus actitudes y comportamientos. Si tuviera que recriminarle algo seria la indulgencia que tienen ambos con Quire.

Resumiendo:

Asi queda repartida la familia X tras el Cisma

Desde luego, no todo lo que se ha publicado de los X-Men en los últimos años ha tenido un buen nivel, pero no es el caso de esta saga. Aquí tenemos una lectura interesante y entretenida, apta tanto para fans de larga trayectoria como para lectores poco familiarizados, pero interesados, con los mutantes. Supone además un buen punto de partida para los que quieran subirse al carro, ya que a partir de aquí veremos la escisión del grupo en dos series: la señera Uncanny X-Men (Patrulla X en España) se centrará en el grupo de Ciclope, mientras que Wolverine & the X-Men (Lobezno y la Patrulla X en la lengua de Cervantes) nos mostrará el camino que tomarán Logan y sus seguidores.

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Hora de aventuras: los cómics (Reseña Adventure Time 1-4)

Si algo me gusta más que hablar de series o de comics, es hablar de series sobre comics y de comics sobre series.
Desde  Febrero  de este año 2012, la editorial yanqui KaBOOM Studios! posee los derechos para editar los comics oficiales de una de las series más geniales y matemáticas de los últimos años: Hora de Aventuras. Si aun no conoces las molonas aventuras de Jake el perro y Finn el humano te recomiendo que:

1- Te flageles hasta que las lágrimas te sepan a caramelo.

2- Leas el artículo que DarkSlig le dedicó en su día.

Era cuestión de tiempo que un producto con tal éxito de público y crítica diera el salto a otras plataformas. En KaBOOM no solo han decidido publicar una serie regular, sino que también podemos disfrutar de las peripecias de Marceline en su propia miniserie (que seguramente será solo la primera de muchas, yo personalmente apuesto por una de BMO).  Aunque de momento no hay, que yo sepa, ninguna editorial española que planee publicar este material en nuestro país, os ofrezco mis comentarios sobre los 4 primeros números de la serie regular.

Como viene siendo habitual en estos casos, no es el creador original, Pendleton Ward, el que se encarga de guionizar esta traslación del mágico mundo de Ooo a las viñetas. Tal tarea recae sobre Ryan North, autor de títulos tan interesantes como Happy Dog the Happy Dog. La labor de los dibujos corre a cuenta del dueto compuesto por Braden Lamb y Shelli Paroline.

Primerísima pagina del comic, homenajeando el opening de la serie.

En estos números iniciales, con el evidente objetivo de captar la atención de los espectadores del show televisivo, se han decidido a poner toda la carne en el asador y nos muestran una historia en la que no solo contamos con nuestros protas y los secundarios más queridos como la Princesa Bultos,el Rey Hielo, la Princesa Chicle, etc.. sino que también asistiremos al retorno del  temible Lich armado con un artefacto que amenaza con destruir toda la tierra de Ooo(aunque conviene señalar que los comics no son parte de la continuidad de la serie de tv).

La serie no escatima en portadas alternativas, llegando hasta 4 variantes para cada número. Como puede verse, aprovechan esto para presentar diferentes estilos.

¿Y que tal esta el invento?

Bueno, partamos de una base: es muy dificil que una adaptación sustituya la obra original. Aunque estos 4 comics conforman un arco que bien podría trasladarse, por su extensión,  a uno de los capítulos dobles con los que el programa nos obsequia de vez en cuando,no deja de ser una experiencia muy diferente el tener que esperar 4 meses para ver completa la clase de argumento que normalmente devoraríamos en 10 o 20 minutos.

Realmente hay un esfuerzo por trasladar el espíritu de la serie, épico-chorra como él solo,  al papel. Debido al ya mentado esfuerzo de presentar el producto de una forma similar al show televisivo, los dibujos mantienen un diseño idéntico al que se puede ver en el programa; algo que, pese a los intentos de los dibujantes, confieren a los personajes una apariencia demasiado estática que quizás se habría solventado con trazos más dinámicos y alejados de lo que es apropiado para una serie de la televisión.

Sin embargo, en las historias de complemento que acompañan a cada numero se le da más libertad a los dibujantes en su labor, resultando en historias cuya apariencia va desde el estilo de dibujo infantil más tradicional a experimentos narrativos con un uso audaz de la composición de pagina y los personajes; logrando captar más propiamente  las características de originalidad e imaginación de las que Hora de Aventuras hace gala.

Pagina de una historia de complemento, por cuenta de Paul Pope, en la que Jake y Finn parecen perdidos en cuadro abstracto.

Pese a ello, podemos ver algunos recursos como una serie de tres pequeñas viñetas al pie de pagina que funcionan como pequeños sketches que rompen brevemente la narración. No faltan diálogos directos con el lector o metatextuales, ni el humor absurdo.

Y tampoco faltan las habituales referencias o comentarios abiertos a múltiples interpretaciones, que ya son una idiosincria de Hora de Aventuras.

Y si esto no esta puesto a mala leche, que baje Odin y lo vea

A esta mezcla hay que  añadir que la historia que se nos cuenta sabe aprovechar las múltiples y bizarras oportunidades que ofrecen los personajes y su fantástico mundo.  A base de poner a nuestros héroes en unas situaciones bastante chungas,  presenta una sucesión de desafíos y situaciones imaginativas e hilarantes. El desarrollo resulta tan interesante y desmadrado como que lo cabria esperar de las peripecias de Jake y Finn

Si eres un fan de Hora de Aventuras de los que disfrutan con todo el trasfondo  imaginativo de Ooo no sentirás que pierdes el tiempo si decides darle una oportunidad a los comics. No significa, ni mucho menos, que la historia no cumpla su objetivo de entretener por si mismas,; pero quizás un lector casual de comics no tenga la paciencia para leer en 4 números  lo que puede ver en poco más de un cuarto de hora.

Personalmente, continuaré leyendo lo que promete ser una perspectiva más que valida e interesante sobre el mundo de Hora de Aventuras; probablemente tanto si el resultado es bueno como si es decepcionante, podáis leer alguna valoración más sobre el rumbo que tome la serie.

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Comic Con Spain 2012: Crónica General del Doctor 13

El pasado fin de semana (14, 15 y 16 de Septiembre) los aficionados a los comics y la subcultura pudimos asistir a la primera Comic Con de España, celebrada en el palacio de exposiciones de Jerez de la Frontera.   No solo acudieron varios miembros de este insigne blog en calidad de colaboradores, sino que vuestros amistosos redactores, Divagar y ElDoctor13, acudieron con acreditación de prensa para poder ofreceros una crónica de los fallos y aciertos de este nuevo evento para disfrute, o desesperación, de los fans nacionales.

En primer lugar, no ignoraremos el  “elefante en la habitación” (haciendo honor a la expresión anglosajona) que supone el propio nombre de estas jornadas. Prácticamente a todos los aficionados al noveno arte les es familiar el nombre de “Comic Con” como el evento de referencia internacional  del mundillo; se tratan de eventos multitudinarios donde miles de frikis se dan cita para compartir su pasión por los superhéroes y la fantasía, encontrarse con los autores mas influyentes y punteros del panorama y conocer los importantes anuncios y lanzamientos que las grandes editoriales reservan para tales fechas.  Quien pensara que en la edición novel  de este evento en España iba a tener una repercusión o unos medios remotamente parecidos a sus homónimos yanquis, probablemente aun seguirá poniendo los dientes debajo de la almohada para que el Ratoncito Pérez le deje dinerito.  De tal forma que, en esta crónica general, intentaremos juzgar esta convención desde sus propias capacidades  y no hacer una constante comparativa con las celebradas en Chicago o San Diego.

De hecho, si alguna comparación era suscitada constantemente respecto a este encuentro, era respecto al Salón Manga de Jerez. No sin ciertos motivos, ya que aparte de celebrarse en el mismo local, este Salón ha logrado consolidarse a través de sus sucesivas entregas como uno de los eventos más importantes del mundillo patrio y será el espejo en el que tenga que reflejarse cualquier otro evento similar que se celebre en la ciudad. Más aun cuando la empresa responsable de su organización ha sido JakeMate, quien ya se hiciera con los derechos para celebrar el Salón de Jerez.

Centrándonos en la Comic Con en cuestión,  lo primero que llama la atención del visitante es el obsequio que acompaña a la entrada. Y es que por  6 € te llevabas de regalo nada menos que el tomo, de tapada dura y a color, de “La Saga de Fenix Oscura” (aunque ya el domingo se agotaron las existencias y fue sustituido por las grapas de “Ultimate Lobezno vs Hulk”). Esto supone tanto un acierto como un fallo; ya que ciertamente es una gran obra y es de agradecer que regalen esto ante que cualquier comic aleatorio, pero también es cierto que si se hubiera promocionado más esta oferta  habría funcionado bastante bien como reclamo. Según nuestras fuentes (que ganas tenia de usar esa frase algún día), parece ser que conseguir el tomo fue una batalla que JakeMate tuvo que pelear hasta el ultimo minuto y lo apurado de la maniobra no les dejó tiempo para promocionarlo como era debido.

Una vez dentro del recinto ferial, a primera hora del viernes, hay que decir que la perspectiva no parecía muy halagüeña. Para aquellos que no lo conozcáis, IFECA (nombre del edifico) se compone de cuatro grandes alas en forma de cuadrado con un patio interior y desde el primer momento se hace evidente que el espacio es demasiado tanto para el numero de asistentes como de actividades. Es lógico que se optara por usar todo el espacio disponible y no prescindir de ningún pabellón para tenerlo todo mas concentrado  posible y disponer un circuito cerrado, pero no por ello había menos sensación de vacío.

Los juegos de mesa y wargames no faltaron a la cita.

En cuanto a las actividades permanentes de las que pudimos disfrutar en las jornadas, se contó con la presencia de habituales en eventos de este tipo: juegos de mesa, wargames, rol (en vivo y narrativo), softcombat, talleres de manualidades y casinos estaban a dsposición de los visitantes por cortesía de varias asociaciones autóctonas. Aun cuando no están directamente relacionadas con el topic del evento (los comics),  estas secciones resultan ya inseparables de este tipo de encuentros subculturales  y, a juzgar por el porcentaje de asistentes que había en ellas constantemente,  los voluntarios ofrecían un buen servicio de entretenimiento.

To los chiquillos ahi viciando

El mayor despliegue, eso si, corrió a cargo del MediaMarkt local, que proporcionó toda una hilera de consolas de ultima generación donde la gente podía desahogarse dándose de tortas,  liándose a tiros con una ametralladora o ponerse en la piel de un fontanero bigotudo con una obsesión por rescatar princesas. Incluso  se contó con algunos simuladores de conducción o pantallas en 3D para quien tuviera curiosidad.

El otro gran atractivo de la ComiCon fue, sin duda, el trono de plástico Hierro, que aun cuando ya muestra algunos signos de deterioro por las sucesivas giras promocionales por España, aglutinó siempre en torno suya extensas colas de aficionados que quería sentar sus nalgas en el celebérrimo mueble.

El Tronaco

¿Y los comics? Porque esto era una Comic Con ¿no?

En este apartado, que debería ser el más importante, destacaban por encima de otros la asistencia de nombre como NikoDemo (creador de Calico Electronico) y Agustin Padilla o Salva Espin. Es muy de agradecer que estos autores accediera durante varias horas a lo largo de la convención a firmar los trabajos o dibujar los sketches que los fans les pidieran.

No solo fue que los realizaron gratuitamente, sino además lo hicieron con una gran dedicación en cada una de las solicitudes.  El espectro de autores se veía complementado con la presencia de las Studio Kawaii o un stand dedicado a la promoción de las jóvenes promesas de la zona bajo el titulo de “Heroes locales”, un  stand en el que  los asistentes podían comprobar en vivo y en directo el arte que destilan los dibujantes de la zona.

El stand de “Heroes Locales”

Destaca también la conferencia ofrecida el sábado por la mañana por José Joaquin Rodriguez,“La Marvel de los años 70” con datos y materiales recopiladas en un libro homónimo.  Fue una charla amena y didáctica, de gran interés para los aficionados al genero y esto si fue, desde luego, el tipo de actividad que uno espera y demanda en algo que lleva el nombre de Comic Con. Esperemos que en futuras entregas las charlas y mesas redondas de este estilo se prodiguen.

Como todos sabemos, una de las cosas que mas horror o alegría pueden provocar en un encuentro de frikis son los cosplays (disfraces para los iletrados). Dejando de un lado la inevitable presencia de gente que no conoce sus limites ( te miro a ti, persona que te disfrazas de un personaje con 50 kilos menos) y aun cuando la presencia era menor que en otros eventos, hay que destacar que los disfraces superheroicos empiezan a hacerse finalmente un hueco y hemos podido disfrutar de varios Lobezos, Masacres y Harley Queens. Tampoco ha faltado la presencia de series como Doctor Who, Hora de Aventuras o My Little Pony.

Gente asi hace que recupere la fe en la humanidad.

Everything is better with ponies

Trust me, Im a Doctah

Este hecho se vió claramente en la diferenciación de dos concursos de cosplays: uno dedicado  al manga y otro a los comics yanquis. Centrándonos en este ultimo, aun cuando la presencia fue escasa, los participantes acudieron con trajes elaborados y algún que otro semidesconocido, poniendo a prueba los conocimientos de los asistentes.

Los participantes del concurso de Cosplay americano

Como valoración final y personal: el aspecto de mera jornada de frikis fue cubierto con las ya mencionadas actividades y juego habituales en este tipo de eventos. En su carácter de convención de comics, lo que hubo fue bueno, pero muy escaso. Hay que potenciar más tanto la asistencia de autores nacionales como las conferencia, mesas redondas y exposiciones.  Especialmente se hecha en falta más contenido relacionado con el comic patrio, tanto actual como histórico. Además, con el éxito de la franquicia de los Vengadores y el Batman de Nolan en el cine, los superhéroes están pasando por un periodo de gran popularidad en el país y creo que el gran público esta más abierto a conocerlos a ellos y a sus turbulentas existencias. En resumidas cuentas: que aunque mi nota final es de aprobado, y ciertos elementos van por el buen camino, aún queda un largo trecho para que estas jornadas sean la gran referencia nacional en la que deberían convertirse.

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Top 12: las mejores series animadas de nuestra infancia (Parte 5)

En esta serie de post intentaré elaborar una selección de series animadas infantiles emitidas entre finales de los 80 y la década de los  90 basándome en un baremo entre su calidad y su popularidad y repercusión.  La mayoría de las veces los puestos en la lista son indicativos y no significa estrictamente que una serie sea mejor que la anterior en todos los aspectos.

Enlaces a anteriores entregas:

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

2- David el Gnomo

Un referente absoluto, no solo de las series infantiles en España, sino de la animación patria. Con unos escasos 26 capítulos, el programa ha tenido no solo incontables reposiciones en los canales nacionales sino también fuera de nuestras fronteras.

Dale, papi, que toy suelta como gabete!

La razón de su éxito es que su carácter educativo esta bien integrado en la narración de la serie y el ambiente de la vida de los gnomos, que conocemos de la mano directa de David. Desde la música al diseño del mundo oculto de estos seres míticos, se construye un cuento de hadas heredado de las mejores tradiciones europeas en la que se puede saltar con naturalidad a varias clases de relatos, donde lo común es  la pedagogía a través del ejemplo del barbudo protagonista. Por un lado, conocemos las costumbre y forma de vida del diminuto pueblo, caracterizadas por el respeto a los seres vivos y el medio ambiente; se nos muestran tanto labores y usos comunes a los humanos, como la artesanía, la apicultura, la cerámica, etc… y otras exclusivas de los gnomos, como su vida dentro de los arboles o las etapas de sus longevas vidas.

Por el otro lado, también tenemos episodios donde los trolls y otros desafíos  mágicos o mundanos, ponían a prueba la inteligencia y determinación de David para ayudar a los demás. En su vertiente más aventurera, la serie intentaba recalcar la importancia del uso de la reflexión, la astucia y el altruismo para salir airoso de los problemas; de esta forma se complementa el aspecto ejemplarizador antes dicho.

Esta típica, pero en otras series muy mediocre, estructura, le ha valido el reconocimiento no solo de su éxito, sino también del cariño y la aprobación con la que las varias generaciones que han disfrutado de ella la recuerda. Al igual que Alfred J.Kwak, es una de esas que querrías ponerles a tus hijos.

Gnomos en una rave

Para terminar, no puedo dejar de mencionar el magnifico episodio final, donde se nos presenta la muerte de David y Lisa. Acompañados por un tercer gnomo, amigo suyo, el trio se dirige a un lugar adecuado para afrontar el fin de su larga vida. Vemos al querido protagonista despedirse de su esposa en vistas del inminente final que a todo nos ha de llegar. Dice mucho de una serie atreverse a plantear un tema tan doloroso y difícil a los niños, y en este capitulo de conclusión la muerte se plantea como algo triste, pero natural, intentando dejar al final una sonrisa por los recuerdos de amigos y familiares. Finalmente, el matrimonio y su compañero se convierten en arboles, dando por concluida su historia y la serie con un broche inmejorable.

Aunque, muchos años después llega una siniestra y perturbadora reflexión: Los gnomos al morir se convierten en arboles, pero… ¿Dónde viven los gnomos?

Recalificación funeraria.

1-Gargolas

El primer puesto de cualquier lista siempre es tema de discusión y se muy bien que esto no va a ser una excepción. Así que me veo en la obligación de daros las razones por las que creo que estos héroes mitológicos deben coronar esta lista:

Según las malas lenguas este producto fue la respuesta de la todopoderosa Disney al éxito de la ya mencionada “Batman:The animated series”. Y vistas su atmosfera nocturna, su cuidada elaboración y el hecho de que la empresa no haya vuelto a producir una serie de este calibre (en cuanto a lo que genero de aventuras/ superheroico se refiere) esta teoría no parece ridícula ni mucho menos.

Una buena muestra de la atención puesta a la serie está en que, solamente para ponernos en situación inicial, se toman 5 episodios de 20 minutos (recopilados en un único VHS de la época como una película). Aquí vemos asentadas las bases de las gárgolas, su relación con los humanos y su rudimentaria pero interesante cultura, en la que el sentimiento del clan es tan instintivo que no tienen necesidad de nombres ni concepto de padres-hijos (aunque posteriormente estos hábitos fueron abandonados). Pese a que el resto de la serie transcurra 1000 años en el futuro, de los personajes y los conflictos heredados por este inicio medieval de la historia reaparecen en capítulos posteriores y son una gran fuente de recursos y tramas, lo cual da un sentimiento de un trasfondo bien elaborado y entrelazado.

Pese a lo variopinto de las 6 gárgolas protagonistas, todas afrontan, en grupo y en solitario, una existencia que ya en su época natal estaba marcada por el alineamiento y una creciente tensión con los humanos, que no mejora mucho un milenio después; siendo los últimos de su especie y obligados a llevar una existencia oculta. Claro que es especialmente Goliath, reflexivo y meditabundo, quien encarna mejor este ideal de héroe atormentado y abnegado por su deber.

El resto de personajes de los personajes de serie goza también de un buen diseño tanto a nivel estético como de personalidad, tanto si se trata de una policía neoyorquina como del rey de las hadas.

Demona y Macbeth: una de las relaciones más tormentosas de la serie

Y es que lienzo completo de la serie resultaba de una amalgama pintoresca: Una mezcla de leyendas artúricas, mitología shakesperiana (en lo que es a mi juicio uno de sus rasgos más destacables), nórdica y del resto del mundo contrastan con otras sobre mafias, milagros tecnológicos o incluso los míticos Iluminati. Todo esto  proporcionaba una magnifica fuente para dar un sinfín de amigos, enemigos, y ambas cosas a nuestros héroes.

Pero si hay que destacar a alguien por encima del resto es, sin duda, David Xanatos. Un tipo elegante y extraordinariamente inteligente y rico. Pero pese a su fortuna el interés final de Xanatos no es lo material; ya que su deseo último es conquistar la vida eterna y escapar de la mortalidad humana.

Lex Luthor + Antonio Banderas

Aparte del carisma propio del personaje, esta motivación del miedo a la muerte consigue despertar cierta empatía y simpatía de la que no gozaría un antagonista con fines más mundanos. Al fin y al cabo ¿Quién no ha deseado eso mismo nunca? Por otro lado, su eterna relación de alianza-enemistad con las gárgolas terminaban por rematar el interés del personaje y convertirlo en la pareja de baile ideal para los héroes.

En definitiva, pese a una acusada decadencia en la última temporada (de 13 episodios y conocida como “Las crónicas de Goliath”) y a las limitaciones y carencias propias de su naturaleza, esta es una serie que puede ser revisionada o conocida por un público más adulto que los espectadores infantiles sin temor a que haya perdido su calidad.  Sagas como la de Avalon o los viajes con  la puerta del fénix siguen resultando entretenidas y atractivas tanto o más que el primer día, y cuando hablamos de series de nuestra infancia esto es decir bastante.  Su gran merito final es, a mi juicio, que a diferencia de otros productos similares de Marvel o DC, la historia no cuenta con un trasfondo previo de décadas de comics de donde sacar ideas, sino que todo es elaborado de cero de una forma más que satisfactoria.

Además es una de las pocas series en las que el gordito se queda con la chica

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